История мировой культуры. Возрождение - файл n1.doc

История мировой культуры. Возрождение
скачать (205 kb.)
Доступные файлы (1):
n1.doc205kb.15.10.2012 21:52скачать

n1.doc


  1. Исторические предпосылки итальянского возрождения.

В разных странах Возрождение зарождалось и достигало расцвета в разное время. Раньше всего оно началось в Италии – XIV в., а в XVI в. культура Ренессанса стала общеевропейским явлением: Германия, Нидерланды, Франция, Испания, Португалия, Англия – во всех этих странах происходил культурный переворот. Колоссальные достижения духовной культуры в эту эпоху широко известны, они давно стали предметом самого пристального внимания, восхищения, изучения и осмысления. [3, стр. 5]
Возникновение культуры Возрождения было подготовлено рядом общеевропейских и локальных исторических условий. По своей сущности культура возрождения была культурой переходной эпохи от феодального строя к капиталистическому. В это время складываются национальные государства и абсолютные монархии; возвышается буржуазия в борьбе с феодальной реакцией; происходят глубокие социальные конфликты – Крестьянская война в Германии, религиозные войны во Франции, Нидерландская буржуазная революция.
Творцами возрожденческой культуры были выходцы из самых разных социальных слоев, а ее достижения в гуманитарных знаниях, искусстве, архитектуре стали достоянием всего общества, хотя в большей мере – образованной и состоятельной его части. К новой культуре проявили интерес и материально стимулировали ее развитие представители крупного купечества, феодальной знати, правители европейских государств и папский двор. Однако, далеко не во всех случаях высшие слои привлекала идейная сторона Возрождения, несравненно большее значение имели для них высокий уровень образованности, художественные достоинства литературы и искусства, новые формы архитектуры, мода [4].
Идейной основой Ренессанса был гуманизм, светски- рационалистическое мировоззрение. Слово “humanitas” (человечность) итальянские гуманисты заимствовали у Цицерона (I в. до н. э.), который в свое время хотел им подчеркнуть, что понятие “человечность”, как важнейший результат культуры, выработанной в древнегреческих полисах, привилось на римской почве. Следовательно уже в понимании Цицерона гуманизм означал своего рода возрождение человека. [3, стр. 6] Античное наследие сыграло решающую роль в формировании ренессансной культуры. Достижения древних явились точкой отсчета для возрожденцев. Итальянские гуманисты, а вслед за ними и гуманисты других стран нашли в классической древности самостоятельную, независимую от религии философию и науку, замечательную светскую поэзию и искусство, достигшие беспримерной художественной высоты и совершенства, общественные учреждения, построенные на демократических принципах. [5,стр. 151]. Вместе с тем, речь шла всякий раз не только об усвоении, но и об оригинальной переработке античной традиции. Происходит ассимиляция античной и средневековой культур.
Складывание новой культуры было подготовлено общественным сознанием. Сильно возрастает роль умственного труда, что нашло свое выражение в большом росте числа лиц свободных профессий. Это связано с распадом корпоративно-цеховых связей в городах и усилением в них роли индивидуального начала. Эти процессы закономерно сопровождались тем, что наиболее способные сыновья купцов, торговцев, преподавателей, нотариусов, представителей знати, реже – сыновья ремесленников и крестьян в соответствии со своими склонностями становились художниками, архитекторами, скульпторами, врачами, писателями. Наиболее выдающиеся гуманисты становились учеными и философами.
Ослабляются связи с церковью, так как многие гуманисты жили на доходы, получаемые от своей профессиональной деятельности, усиливается неприязнь к официальной учености, пропитанной церковно-схоластическим духом. Одновременно происходит упадок морально-политического авторитета папства, связанного с событиями его “авиньонского пленения” (1309-1375), нередкими расколами католической церкви.


  1. Сущность понятия «гуманизм»

Гуманизм:

® в широком смысле: признание ценности человека как личности, его права на свободное развитие и проявление своих способностей, утверждение блага человека как критерия оценки общественных отношений.

® в узком смысле: светское мировоззрение, распространившееся в Европе в

условиях перехода от феодализма к капитализму на протяжении культурной эпохи

Возрождения.

Новизна гуманистического мировоззрения в том, что оно:

1). Первое светское мировоззрение в новой Европе (раньше было духовное).

2). Это мировоззрение возникло как альтернатива средневековому религиозному

аскетизму.

Концепция мира. Гуманисты предложили собственную новую концепцию мира:

МИР – единое и гармоничное целое, а не два противопоставленных друг другу мира;

гуманисты доказали, что небесный мир – продолжение земного, а между ними –

гармония, созвучие. Это подтверждение гуманисты нашли в античности. Из этого

представления видно, что мир земной – также важен, как и небесный.

Основной закон гармонии. Человек – это свободная, самостоятельная,

индивидуальная личность, ценная уже сама по себе, а не потому, что человек

создан Богом. Человек – самое совершенное творение Господа, на котором

печать Господа, он создан по Его подобию, поэтому человек – венец природы,

возвышающийся над природой, т.к. его Бог наградил разумом и свободной волей

. Человек – тоже творец, его деятельность и творчество направляются разумом, как

и деятельность Господа. А т.к. Бог творит в небесном мире, то в земном мире

– человек – центр Вселенной. Человек не приходит в мир изначально, он

получает от природы задатки, возможности, от природы человек добрый, Бог

создает человека добрым, но эти положительные задатки надо развивать. Как он их

разовьет – зависит от человека, а потому человек сам определяет свою судьбу.

Смысл жизни человека – максимум самореализации и развитие тех даров,

которые бает человеку природа. Только в деятельности человек сам себя реализует

и растет. Всякое мировоззрение формирует представление идеального человека

как гармоничной, универсальной личности (всесторонне развитой). В нем гармонично

сочетаются физическое совершенство (красота тела), духовность (красота души) и

высокий интеллект (это представление было возрождено также из античности). Этот

идеал достижим для каждого.

Человек может всё, т.е. возможности человека не ограничены, т.к. он центр

Вселенной, т.к. он Богоподобен. Путь к совершенству, к саморазвитию определила

этика, ставшая ведущей наукой.

Гуманистическая этика утверждает, что для достижения гармонии человеку

надо правильно организовать свой образ жизни. Аскетизм Средневековья калечил и

ломал человеческую природу. Поэтому такому аскетическому образу жизни гуманисты

противопоставили свой, состоящий из трёх основных принципов:

1 – естественный образ жизни (прородосообразный);

2 – радость, ради которой стоит жить;

3 – деятельность, в которой проявляется, утверждается человек.

Этика гуманизма ориентировала людей на максимально активное, творческое

отношение людей к действительности.

Выводы гуманистов: ·Человек – центр Вселенной и его возможности

неограниченны. Он должен познать мир, вполне самостоятельно, руководствуясь

разумом и делать этот мир еще лучшим. Так он тоже выступает как творец.

· Деятельность человека всегда оправдана. · В

усовершенствовании нуждается уклад общественной жизни. Здесь люди и должны

проявлять свою мудрость.

Именно гуманисты выделили три исторические эпохи:

1. Эпоха Древности (Античности).

2. Эпоха Средних веков.

3. Эпоха Возрождения.

Первой и третьей они давали возвышенную оценку, а вторую считали пропастью

между двумя вершинами, эпохой варварства, религиозного фанатизма. Поэтому

культурную деятельность они направляли на преодоление феодальных пережитков,

предрассудков Средневековья.

Самыми опасными гуманисты считали аскетические взгляды, предрассудки

сословного деления и неравноправия, ведь от природы люди получили

равновеликие задатки и способности.

Гуманисты, оглядываясь в Античность, оставались безусловными христианами. В

собственной жизни, в своих гуманитарных студиях они соединили два

равновеликих мира - Античность и Христианское средневековье. Таким образом,

Возрождение задает неизвестное доныне временное единство - духовную историю

человечества. Оставаясь христианами и не посягая на права Святой церкви, не

отрекаясь от Всевышнего, а лишь стараясь прояснить Его главный замысел

относительно человека, гуманисты вписали в реальный мир итальянской, а затем

и всей европейской повседневности труды, дни, язык и ученые занятия древних

римлян и греков. Европа впервые ощутила живую связь времен. К закату

Возрождения это ощущение утратится и Гамлет произнесет роковые слова:

"Распалась связь времен...".
5. Характеристика искусства периода Проторенессанса.

Для искусства Проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

Социальными предпосылками в 1200-е (дученто) явились развитие ремесел и торговли, экономические реформы в свободных итальянских городах (особенно в Тоскани).

Появление признаков Проторенессанса некоторые исследователи усматривают в архитектуре 11-13 вв. Тоскании, где использовалась полихромная облицовка мрамором в сочетании с тонкими членениями стен и античные архитектурные детали, что позволило облегчить тяжеловесность архитектуры свойственную романскому стилю.

Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие. Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства. Представитель: Никколо Пизано.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини (Рим); Джотто (Флоренция).

Ярким представителем литературы этого периода является Данте Алигьери. К этому же периоду относится поэзия школы «дольче стиль нуово». Для литературы характерно чувственное усиление, реалистичность образов.

Традиции искусства Проторенессанса были восприняты такими художниками Возрождения, как Брунеллески, Донателло, Мазаччо.

Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone) (1266 или 1267–1337)

Итальянский живописец, основоположник проторенессанса. Родом из Колле да Веспиньяно в Тоскане. Учился в мастерской Чимабуэ (между 1280 и 1290), работал главным образом во Флоренции (где с 1334 руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре и городских укреплений) и Парме. В начале 14 века Джотто посетил Рим. С именем Джотто связан новый этап в развитии итальянского и европейского искусства (Проторенессанс), разрыв итальянской живописи со средневековыми художественными канонами и традициями так называемого итало-византийского искусства. Знакомство Джотто с позднеантичной живописью и произведениями Пьетро Каваллини способствовало становлению его творческого метода, созданию такого выдающегося памятника проторенессансной живописи, как росписи капеллы дель Арена (Скровеньи) в Падуе (1304–1308). Фрески Джотто, посвященные жизни Марии и Христа, расположенные на стенах тремя горизонтальными рядами, отличаются драматизмом и жизненной убедительностью образов, смелым построением пространства, почти скульптурной лепкой пластического объема, простотой и в то же время выразительностью жестов и ракурсов, светлым, праздничным колоритом. Искусство Джотто отличалось огромной изобразительной силой и драматической выразительностью своих образов. Воздействие его на зрителя было тем сильнее, чем естественнее и реалистичнее были художественные приемы Джотто, поставившего перед собой задачу изображения реального трехмерного пространства, построенного на перспективно-линейном основании. Не обладая знанием научной перспективы, примитивными, казалось бы, средствами Джотто достиг небывалого для искусства своего времени эффекта, одним из первых введя в живопись изображение интерьера. Одновременно с этим вторым завоеванием Джотто было создание пластической, округлой человеческой фигуры, причем каждая из изображенных им фигур обладала и чисто материальной весомостью и в силу этого глубокой жизненной, реалистической убедительностью.
Собственно, росписи капеллы дель Арена в Падуе в творческом наследии Джотто занимают центральное место. Этот обширный фресковый цикл включает в себя роспись коробового свода, уподобленного синей небесной тверди с золотыми звездами и заключенными в медальоны изображениями Христа, Марии и пророков, композицию «Страшный суд» на западной стене, тридцать четыре сцены из жизни Марии и Христа, расположенные в три ряда на длинных боковых стенах и так называемой «триумфальной арке» алтаря. Именно эти сцены определяют характер росписей капеллы. Строгая упорядоченность их расположения организует всю ритмику интерьера, построенное на насыщенных красочных тонах цветовое решение сообщает всему ансамблю праздничный характер. Земная жизнь Марии и Христа предстает в этих композициях как связанные неторопливым ритмом повествования этапы патриархального, эпически-величественного бытия. Джотто очень скупо обозначает приметы изображаемого им мира условными скалистыми горками, светлыми зданиями, густой ультрамариновой синевой неба. Но самым замечательным открытием Джотто являются его персонажи — коренастые, широколицые, наделенные величавым обликом, облаченные в одежды и плащи простого покроя из тяжелых, однотонных тканей, задрапированных в крупные складки.
В 1310-х годах Джотто работает во Флоренции. К этому времени относится созданная им «Мадонна Оньиссанти», украшавшая главный алтарь францисканской церкви Оньиссанти (ныне хранится в Галерее Уффици). По стилю она непосредственно связана с фресками капеллы Дель Арена, поэтому может быть отнесена к 1306-1310 годам. Францисканская базилика Санта Кроче, капеллы Перуцци и Барди во Флоренции хранят основные произведения позднего периода творчества Джотто. Роспись капеллы Перуцци, представляющая сцены из жизни Иоанна Крестителя и Иоанна Евангелиста, выполнена почти исключительно в технике альсекко, поэтому плохо сохранилась, но, несмотря на это, она и сегодня еще демонстрирует расцвет творческих сил художника. Пространство этих картин глубже и просторнее, в них словно больше воздуха. Пропорции фигур и архитектуры более реалистичны, движение фигур свободнее. На некоторых картинах представлено по две сцены, как, например, рождество и наречение Иоанна Крестителя. Все достигается сильным укорачиванием перспективы. Сдержанность, экспрессивная драматическая выразительность образов знаменуют собой дальнейшее развитие художественных тенденций фресок капеллы Дель Арена. Цвета здесь более глубоких тонов и более мягкие, чем на падуанских фресках. В капелле Барди в сценах жития св. Франциска архитектурные формы стройнее, скульптурность контуров несколько смягчается. В изображениях в большей мере ощущается готический стиль, чем в капелле Перуцци, где наследие античности играет более заметную роль. Свет в обеих капеллах падает на изображения со стороны окна, источника естественного света. Укорачивание перспективы ориентировано на зрителя, стоящего у входа в капеллу.
В алтарных образах Джотто, сохраняя во многом традиционную композиционную схему, по-новому строил пространственные отношения фигур, стремился к внутренней значительности образов («Мадонна во славе» или «Мадонна Оньиссанти», 1310–е, Уффици). В росписях капелл Перуцци (около 1320) и Барди (1320–1325) в церкви Санта-Кроче во Флоренции мастер достиг органической связи живописи с архитектурой, спокойной торжественности и архитектонической стройности композиции, благородной сдержанности колорита.

В 1328-1332 годах Джотто работал в Неаполе придворным живописцем у короля Роберта Анжуйского. Цикл «Знаменитые мужи» из большого зала замка Кастель Нуово и фрески дворцовой капеллы, созданные там художником, также утрачены. В 1334 году Джотто вновь работает во Флоренции, где руководит строительством собора. По его проекту было начато возведение знаменитой флорентийской звонницы, Кампанилы, и сегодня являющейся символом и гордостью Флоренции.
Реформатор итальянской живописи, Джотто открыл новый этап в истории живописи всей Европы и явился предтечей искусства Возрождения. Его историческое место определяется преодолением средневековых итало-византийских традиций. Джотто создал облик мира, адекватный реальному по своим основным свойствам — материальности и пространственной протяженности. Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, т. н. античную, перспективу, он сообщил сценическому пространству иллюзию глубины, ясность и четкость структуры. Одновременно он разработал приемы тональной светотеневой моделировки форм при помощи постепенного высветления основного, насыщенного красочного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность и в то же время сохранить сияющую чистоту цвета, его декоративные функции.
Джотто был известен также как архитектор — создатель кампанилы (колокольни) Флорентийского собора. Состоящее из пяти ярусов, это стройное и легкое сооружение, украшенное рядом рельефов, над некоторыми из которых Джотто работал совместно с Андреа Пизано, является одним из лучших украшений архитектурного ансамбля Флоренции. Скончался Джотто ди Бондоне 8 января 1337 во Флоренции. Джотто оказал влияние на формирование ведущих школ итальянской живописи 14 века, прежде всего флорентийской, а также на ряд мастеров, работавших в Сиене и Падуе. К его наследию неоднократно обращались мастера итальянского Возрождения от Мазаччо до Микеланджело. Художественные реформы Джотто были глубоки и значительны, и его историческое значение было осознано не только в последующие века, но и его современниками. В пятой новелле шестого дня «Декамерона» Боккаччо называет Джотто «превосходным талантом», «светочем флорентийской славы», который «вывел на свет искусство, в течение многих столетий погребенное», и следовал в своих изображениях природе. Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело — великие мастера Возрождения — обращались к искусству Джотто как к живительному и вечно свежему источнику глубоко этических, человечных образов

.

Чимабуэ (настоящее имя Ченни ди Пепо, итал. Cenni di Pepo; около 1240 — около 1302) — флорентийский живописец, один из главных возродителей итальянской живописи после её продолжительного средневекового застоя.

Творчество
До его времени живопись в Италии оставалась застывшей в оковах византийского стиля, повторяла одни и те же исстари установившиеся типы изображений, соблюдала одни и те же условности в рисунке, колорите и технических приемах, пренебрегая наблюдением природы и не давая художникам возможности выказывать их индивидуальное чувство.
В первых своих иконах Богоматери, из которых одна, бывшая во флорентийской церкви Санта-Тринита, находится теперь в тамошней академии, Чимабуэ является ещё вполне византийцем; но вскоре в его произведениях старинные, традиционные композиции и фигуры стали более оживлёнными, привлекательными и величественными, а краски более свежими, изящными и натуральными. Этого было достаточно для возбуждения в современниках художника восторженного отношения к его работам. В конце своей жизни Чимабуэ занимался производством в апсиде пизанского собора мозаики, изображающей Спасителя с предстоящими Ему Богоматерью и Иоанном Крестителем, но успел окончить только две из этих фигур: третья, фигура Пресвятой Девы, исполнена позже (в 1321 г.) пистойцем Вицинусом. Из школы Чимабуэ вышел великий Джотто, двинувший итальянскую живопись на пути к возрождению ещё дальше, чем он.


7. Искусство раннего возрождения.
В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский ученый и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.
Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.
Мазаччо (итал. Masaccio; устар. вариант — Мазаччьо, собственно Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (Гвиди), Томмазо ди сер Джованни ди Гвиди; 21 декабря 1401, Сан-Джованни-Вальдарно, Тоскана — осень 1428, Рим) — знаменитый итальянский живописец. Представитель флорентийской школы.
В своих картинах Мазаччо старался изображать фигуры с возможно большей живостью и реалистичностью. По тем временам это считалось совершенно новым подходом. Он был очень усердным в своей работе и не выбирал простых перспектив, напротив, стараясь показать изображение во всем объеме, в необычном ракурсе. Так, на одной из картин изображены прекрасные здания с такой перспективы, что виднен не только их экстерьер, но и интерьер, т.к. они изображены не спереди, а с угла. Так же, он в большей степени, чем другие мастера, старался изображать обнаженные тела и мало применявшееся до него сокращение фигур, визуально компенсирующееся с точки зрения наблюдателя.

Мазаччо приписываются композиции "Изгнание из рая", "Чудо со статиром", "Крещение Петром неофитов", "Апостол Петр, исцеляющий больных своей тенью", "Апостол Петр, распределяющий имущество общины между бедными", "Воскрешение сына антиохийского царя" и фрагменты фресок "Исцеление калеки" и "Воскрешение Теофила".

В августе 1428 года Мазаччо уехал в Рим, чтобы приступить там к работе над фреской "Голгофа" в церкви Сан Клементе, где неожиданно скончался. Некоторые предполагали, что он был отравлен, но доказательств этой версии нет.

Вазари мимоходом упоминает, что его учителем был Мазолино да Паникале, однако это сомнительно — он был принят во флорентийский цех degli speziali (врачей и аптекарей) раньше Мазолино (в 1421 г.) и в корпорацию живописцев всего через год после него (в 1424 г.). Как следствие представляется более вероятным, что Мазаччо развился независимо от Мазолино, но при сходстве направления обоих художников они были близки между собой в своей жизни и деятельности. Подобно Мазолино, Мазаччо трудился преимущественно во Флоренции, хотя также работал в Пизе и Риме.

Несмотря на небольшую продолжительность своей жизни, он показал себя первостепенным мастером, значительно превзошедшим Мазолино в понимании форм реального мира, в драматизме и в чувстве красоты, значительно продвинул итальянскую живопись и оставил в своих произведениях образцы, по которым учились позже Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело.
Главные из этих произведений — фрески, написанные в капелле Бранкаччи, в церкви святой Марии дель Кармине во Флоренции, рядом с фресками Мазолино. Они изображают «Изгнание Адама и Евы из земного рая», «Крещение, совершаемое апостолом Петром», «Апостола Петра и Иоанна, исцеляющих своей тенью больного», «Чудо с Кесаревым динарием» и «Проповедь апостола Петра». Другие многочисленные фрески и станковые картины, о которых говорит Вазари, как о принадлежащих Мазаччо во Флоренции, либо исчезли, либо не могут быть признаны его работами (как, например, «Мадонна с Младенцем и святой Анной» во Флорентийской академии художеств).

Некоторые приписывают ему, также со слов Вазари, фрески капеллы святой Екатерины в римской базилике святого Климента, но они принадлежат скоре Мазолино. В разных музеях Европы встречаются картины, считающиеся произведениями Мазаччо; однако их принадлежность ему в большинстве случаев сомнительна.

Умер осенью 1428 года в Риме. Некоторые источники сообщают, что Мазаччо был отравлен одним из художников-конкурентов.
Донателло.
Мастер эпохи Возрождения Донателло (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) своим творчеством содействовал решению важных пластических задач, что во многом определило в дальнейшем пути развития европейской скульптуры. Донателло родился во Флоренции. Он обучался в готических мастерских. В 1404-1407 Донателло примкнул к просвещенному окружению Л. Гиберти, работал и учился в его мастерской. Он познакомился с Брунеллески (1377-1446), стал его другом и сподвижником. Работы Донателло связаны главным образом с Флоренцией, но он работал также в Падуе в 1444-1453, а в 1451 посетил Мантую, Венецию, Феррару. В ранних работах Донателло заметны готические реминисценции. Позднее художник, осознав законы античной пластики, пришел к созданию новых классических форм, соединив античное и реальное, современное и народное. В искусстве эпохи Возрождения Донателло принадлежит много открытий. Он первым решил проблему постановки человеческой фигуры на основе законов, разработанных Поликтетом. Образ св. Георгия, исполненный для флорентийской церкви Орсан-Микеле, - это новый для европейской скульптуры образ, воплотивший в себе идеал героя-воина эпохи Ренессанса и принесший славу Донателло. Другие известные произведения: "Давид". Бронза. 1430-е. Национальный музей, Флоренция; "Памятник кондотьеру Гаттамелате в Падуе". 1447-1453. Бронза, известняк, мрамор. Падуя.
8. Творчество Боккаччо.

Боккаччо был первым гуманистом и одним из учёнейших людей Италии. У Андалонэ дель Неро он изучал астрономию и целых три года содержал в своём доме калабрийца Леонция Пигата, большого знатока греческой литературы, чтобы читать с ним Гомера. Подобно своему другу Петрарке, он собирал книги и собственноручно переписал очень многие редкие рукописи, которые почти все погибли во время пожара в монастыре Санто-Спирито (1471). Он воспользовался своим влиянием на современников, чтобы возбудить в них любовь к изучению и знакомству с древними. Его стараниями во Флоренции была основана кафедра греческого языка и его литературы. Один из первых он обратил внимание общества на жалкое состояние наук в монастырях, которые считались их хранителями. В монастыре Монте-Кассино, самом знаменитом и учёном во всей тогдашней Европе, Боккаччо нашёл библиотеку запущенной до такой степени, что книги на полках были покрыты слоями пыли, у одних рукописей были выдраны листы, другие были изрезаны и исковерканы, а, например, чудные рукописи Гомера и Платона были исчерчены надписями и богословской полемикой. Там он узнал, между прочим, что братья делают из этих рукописей свистульки детям и талисманы женщинам.
Латинские сочинения

Боккаччо — автор ряда исторических и мифологических сочинений на латинском языке. В их числе энциклопедический труд «Генеалогия языческих богов» в 15 книгах («De genealogia deorum gentilium», первая редакция около 1360, трактаты «О горах, лесах, источниках, озёрах, реках, болотах и морях» («De montibus, silvis, fontibus, lacubus, fluminibus, stagnis seu paludibus et de nominibus maris», начат около 1355—1357); 9 книг «О несчастиях знаменитых людей» («De casibus virorum et feminarum illustrium», первая редакция около 1360). Книга «О знаменитых женщинах» («De claris mulieribus», начат около 1361) включает в себя 106 женских биографий — от Евы до королевы Иоанны Неаполитанской.
Декамерон

Главным произведением Боккаччо, обессмертившим его имя, был его прославленный и ославленный «Декамерон» (10-дневные рассказы) — собрание 100 повестей, рассказанных обществом из 7 дам и 3 мужчин, которые во время чумы переселились в деревню и там коротали время этими рассказами. «Декамерон» написан частью в Неаполе, частью во Флоренции, и содержание его Боккаччо черпал или из древнефранцузских «Fabliaux», или из «Cento novelle antiche» (Bologna, nelle case di Gerolamo Benedetti, 1525), а также из современных поэту событий. Рассказы изложены изящным, лёгким языком, поражающим богатством слов и выражений, и дышат жизненной правдой и разнообразием. Бокаччо использовал целый набор схем и приёмов. В них изображены люди всяких состояний, всякого возраста и характера, приключения самые разнообразные, начиная с самых весёлых и смешных и кончая самыми трагическими и трогательными.


9. Боттичелли.
Прозвище Botticelli («бочонок») перешло к Сандро от его брата-маклера, который был толстяком. Учился живописи у монаха Филиппо Липпи и перенял у него ту страстность в изображении трогательных мотивов, которой отличаются исторические картины Липпи. Тонкость и точность линий он перенял у второго своего брата, который был ювелиром. Некоторое время учился вместе с Леонардо да Винчи в мастерской Вероккио. Оригинальная же черта собственного таланта Боттичелли состоит в наклонности к фантастическому. Он один из первых внес в искусство своего времени античный миф и аллегорию, и с особенной любовью работал над мифологическими сюжетами. Особенно эффектна его Венера, которая нагая плывет по морю в раковине, и боги ветров осыпают её дождем из роз, и гонят раковину к берегу.
Лучшим творением Боттичелли считают начатые им в 1474 году фрески в Сикстинской капелле Ватикана. Предположительно Боттичелли был приверженцем Савонаролы. Согласно преданию, уже в старческом возрасте он сжёг свою юношескую картину на костре тщеславия. «Рождение Венеры» стало последней такой картиной. Усердно изучал Данте; плодом этого изучения явились гравюры на меди, приложенные к вышедшему в свет во Флоренции в 1481 году изданию дантова «Ада» (издание Магны).
Выполнил множество картин по заказам Медичи. В частности, расписал знамя Джулиано Медичи, брата Лоренцо Великолепного. Боттичелли прославился своим тонким эстетическим вкусом и такими произведениями, как «Благовещение» (1489—1490), «Покинутая» (1495—1500) и т. д. В последние годы своей жизни Боттичелли, по всей видимости, оставил живопись. В 1504 году художник участвовал в комиссии, определявшей место для установки статуи Давида работы Микеланджело, однако его предложение не было принято. Известно, что у семьи художника был дом в квартале Санта Мария Новелла и доход от виллы в Бельсгуардо. Сандро Боттичелли похоронен в фамильной гробнице в церкви Оньисанти. Согласно завещанию, его похоронили вблизи могилы Симонетты Веспуччи, вдохновившей самые прекрасные образы мастера.
10. Деятельность Леонардо да Винчи
Искусство

Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Кроме того, не исключено, что Да Винчи мог быть и скульптором: исследователи из университета Перуджи — Джанкарло Джентилини и Карло Сиси — утверждают, что найденная ими в 1990 году терракотовая голова является единственной дошедшей до нас скульптурной работой Леонардо да Винчи[6]. Однако сам Да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. Однако его вклад в мировую художественную культуру является исключительно важным даже на фоне той когорты гениев, которую дало Итальянское Возрождение. Благодаря его работам искусство живописи перешло на качественно новый этап своего развития. Предшествующие Леонардо художники Ренессанса решительно отказывались от многих условностей средневекового искусства. Это было движения в сторону реализма и многое уже было достигнуто в изучении перспективы, анатомии, большей свободы в композиционных решениях. Но в плане живописности, работы с краской, художники были ещё достаточно условны и скованы. Линия на картине четко очерчивала предмет, и изображение имело вид раскрашенного рисунка. Наиболее условным был пейзаж, который играл второстепенную роль. Леонардо осознал и воплотил новую живописную технику. У него линия имеет право на размытость, потому что так мы её видим. Он осознал явления рассеяния света в воздухе и возникновения сфумато — дымки между зрителем и изображенным предметом, которое смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень.
Наука и инженерное дело

Единственное его изобретение, получившее признание при его жизни — колесцовый замок для пистолета (заводившийся ключом). В начале колесцовый пистолет был мало распространён, но уже к середине XVI века приобрёл популярность у дворян, особенно у кавалерии, что даже отразилось на конструкции лат, а именно: максимилиановские доспехи ради стрельбы из пистолетов стали делать с перчатками вместо рукавиц. Колесцовый замок для пистолета, изобретённый Леонардо да Винчи, был настолько совершенен, что продолжал встречаться и в XIX веке.
Леонардо да Винчи интересовали проблемы полёта. В Милане он делал много рисунков и изучал летательный механизм птиц разных пород и летучих мышей. Кроме наблюдений он проводил и опыты, но они все были неудачными. Леонардо очень хотел построить летательный аппарат. Он говорил: «Кто знает всё, тот может всё. Только бы узнать — и крылья будут!» Сначала Леонардо разрабатывал проблему полёта при помощи крыльев, приводимые в движение мышечной силой человека: идея простейшего аппарата Дедала и Икара. Но затем он дошёл до мысли о постройке такого аппарата, к которому человек не должен быть прикреплён, а должен сохранять полную свободу, чтобы управлять им; приводить же себя в движение аппарат должен своей собственной силой. Это в сущности идея аэроплана. Для того чтобы успешно практически построить и использовать аппарат, Леонардо не хватило только одного: идеи мотора, обладающего достаточной силой. До всего остального он дошёл. Леонардо да Винчи работал над аппаратом вертикального взлёта и посадки. На вертикальном «ornitottero» Леонардо планировал разместить систему втяжных лестниц. Примером ему послужила природа: «посмотри на каменного стрижа, который сел на землю и не может взлететь из-за своих коротких ног; а когда он в полёте, вытащи лестницу, как показано на втором изображении сверху… так надо взлетать с плоскости; эти лестницы служат ногами…». Что касается приземления, он писал: «Эти крючки (вогнутые клинья), которые прикреплены к основанию лестниц, служат тем же целям, что и кончики пальцев ног человека, который на них прыгает и всё его тело не сотрясается при этом, как если бы он прыгал на каблуках».
11. Творчество Микеланджело.
Произведения
Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и на всю дальнейшую мировую культуру. Деятельность его связана в основном с двумя итальянскими городами — Флоренцией и Римом. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов. Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид» (1501—1504), ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела, в Риме — скульптурную композицию «Пьета́» (1498—1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. Однако наиболее грандиозные свои замыслы художник смог реализовать именно в живописи, где он выступил подлинным новатором цвета и формы.
По заказу папы Юлия II он выполнил роспись потолка Сикстинской капеллы (1508—1512), представляющую библейскую историю от сотворения мира до потопа и включающую более 300 фигур. В 1534—1541гг в той же Сикстинской капелле для папы Павла III исполнил грандиозную, полную драматизма фреску «Страшный суд». Поражают своей красотой и величием архитектурные работы Микеланджело — ансамбль площади Капитолия и купол Ватиканского собора в Риме.

Искусства достигли в нём такого совершенства, какого не найдешь ни у древних, ни у новых людей за многие и многие годы. Воображением он обладал таким и столь совершенным и вещи, представлявшиеся ему в идее, были таковы, что руками осуществить замыслы столь великие и потрясающие было невозможно, и часто он бросал свои творения, более того, многие уничтожал; так, известно, что незадолго до смерти он сжег большое число рисунков, набросков и картонов, созданных собственноручно, чтобы никто не смог увидеть трудов, им преодолевавшихся, и то, какими способами он испытывал свой гений, дабы являть его не иначе, как совершенным.
— Джорджо Вазари. «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих.» Т. V. М., 1971

12. Общая характеристика литературы высокого возрождения.

Литература Высокого Возрождения характеризуется расцветом героической поэмы Л. Пульчи в Италии, Л. Камоэнса - в Испании, в центре которой - человек, рожденный для великих дел. Во Франции период Высокого возрождения представлен творчеством Франсуа Рабле. В его произведении “Гаргантюа и Пантагрюэль” в народной сказочной и философско-комической форме дана всесторонняя картина общества и его героических идеалов.

Самый замечательный писатель своей эпохи, Рабле является, вместе с тем, самым верным и живым отражением её; стоя наряду с величайшими сатириками, он занимает почётное место между философами и педагогами. Современному читателю трудно поверить в то, что автором одной из самых веселых книг в мировой литературе был католический монах. Рабле - вполне человек своего времени, человек Возрождения по своим симпатиям и привязанностям, по своей страннической, почти бродячей жизни, по разнообразию своих сведений и занятий. Он является гуманистом, медиком, юристом, филологом, археологом, натуралистом, богословом, и во всех этих сферах - самым доблестным собеседником на пиршестве человеческого ума.
Орудие сатиры Рабле - смех, смех исполинский, часто чудовищный, как его герои. Страшному общественному недугу, свирепствовавшему повсюду, он предписал огромные дозы смеха: все у него колоссально, колоссальны тоже цинизм и непристойность, необходимые проводники всякого резкого комизма. Этот смех, однако, отнюдь не цель, а только средство; по своей сущности то, что он рассказывает, вовсе не так смешно, как кажется, на что указывает сам автор, прибавляя, что его произведение похоже на Сократа, у которого под наружностью Силена и в смешном теле жила божественная душа.
15. Специфика венецианской школы.

Венецианская школа.

Венецианская школа, одна из основных живописных школ Италии с центром в городе Венеция (отчасти также в небольших городах Террафермы - областей материка, прилегающих к Венеции). Для Венецианской школы характерны преобладание живописного начала, особое внимание к проблемам колорита, стремление к воплощению чувственной полноты и красочности бытия. Наибольшего расцвета Венецианская школа достигла в эпоху Раннего и Высокого Возрождения, в творчестве Антонелло да Мессина, открывшего для современников выразительные возможности масляной живописи, создателей идеально - гармонических образов Джованни Беллини и Джорджоне, величайшего колориста Тициана, воплотившего в своих полотнах присущие венецианской живописи жизнерадостность и красочное полнокровие. В работах мастеров Венецианской школы 2-й половины 16 в. виртуозность в передаче многоцветия мира, любовь к праздничным зрелищам и многоликой толпе соседствуют с явным и скрытым драматизмом, тревожным ощущением динамики и беспредельности мироздания (живопись П. Веронезе и Я. Тинторетто).
Веронезе, Паоло (1528-1588)

Итальянский художник, представитель венецианской школы.

Настоящее имя - Паоло Кальяри. Учился в Вероне у своего дяди, А.Бадиле. С 1553 г. и до конца своей жизни работал в Венеции. Веронезе один из величайших мастеров монументально-декоративной живописи. Его композиции, исполненные для Дворца Дожей и церкви Сан Себастьяно, были оценены столь же высоко, как произведения его старших современников - Тициана и Тинторетто. Самым значительным произведением Веронезе считаются фрески виллы Барбаро-Вольпе(1561),создающие радостный мир образов на основе античной мифологии. Художник продолжил традицию изображения празднеств, идущую от Джентиле Беллини и Карпаччо, и развил ее в многофигурных композициях на религиозные и исторические сюжеты («Александр Македонский и семья Дария», 1565-70). Одной из самых значительных живописных работ мастера явилась картина «Тайная вечеря» («Пир в доме Левия»), в которой он вдохновенно сочетал театральную зрелищность с сакральностью происходящего исторического события. В поздний период творчества художник работал по заказу императора Рудольфа II в Праге и восстанавливал интерьеры Дворца Дожей после пожара 1577 г. Веронезе оказал сильное влияние на последующую итальянскую живопись, оставаясь непревзойденным колористом и мастером сложных пространственных композиций.
Другие картины:

Аллегория Любви. Неверность. 1570

Брак в Кане. 1563

Пир в доме Левия. 1573

Оплакивание Христа. 1576-82

Битва при Лепанто. ок. 1572
16. Маньеризм.
Маньери́зм (от итальянского maniera, манера) — западноевропейский литературно-художественный стиль XVI — первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком. Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нём раннюю фазу барокко.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах.

Стиль был отчасти порожден кризисными явлениями в общественно-политической сфере, характерными для позднего Возрождения с его социальной, моральной и религиозной неустойчивостью; иногда начальную фазу маньеризма связывают с разграблением Рима в 1527 году. Самое же главное, маньеризм в броской форме отразил существенную, подобную взрыву трансформацию искусства и литературы от средних веков к Новому времени.
Стилевые особенности
Характерными особенностями художественного решения работ, относящихся к стилю маньеризма, можно считать повышенный спиритуализм (нередко сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом или, напротив, подчёркнуто противопоставленный ему); взвинченность и изломанность линий (в частности, использование так называемой «змеевидной» линии), удлинённость или даже деформированность фигур, напряжённость поз (контрапост), необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д.
Живопись
К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Якопо Понтормо, Джорджо Вазари, Джулио Романо, Джузеппе Арчимбольдо, Бронзино, Россо Фьорентино, Франческо Сальвиати, Доменико Беккафуми, Алессандро Аллори, Артемизию и Орацио Джентилески и т. д. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы — Тинторетто и Тициана. За пределами Италии маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века (многие из них восприняли идеи маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II (Б. Шпрангер, Ханс фон Аахен и др.).

[править]

Скульптура
В ваянии представителями маньеризма были Бартоломео Амманнати и Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.
Маньеризм в архитектуре
Маньеризм в архитектуре выражает себя в нарушениях ренессансной сбалансированности; использовании архитектонически не мотивированных, вызывающих у зрителя ощущение беспокойства структурных решений, элементов гротеска. К наиболее значительным достижениям архитектуры маньеризма относятся Палаццо дель Те в Мантуе (работа Джулио Романо) и Библиотека Лауренциана во Флоренции, спроектированная Микеланджело. В маньеристском духе выдержана фланкирующая здание Галереи Уффици во Флоренции лоджия Джорджо Вазари.
17. Утопические программы Ренессанса.

Утопия
Из всех литературных и политических произведений Мора наибольшее значение имеет «Утопия» (опубликована в 1516 году Дирком Мартенсом), причем эта книга сохранила своё значение для нашего времени — не только как талантливый роман, но и как гениальное по своему замыслу произведение социалистической мысли. Литературные источники «Утопии» — сочинения Платона («Государство», «Критий», «Тимей»), романы-путешествия XVI века (в частности «Quattuor Navigationes» Америго Веспуччи) и до некоторой степени произведения Чосера, Ленгленда и политические баллады. Из «Navigationes» Веспуччи он взял завязку «Утопии» (встреча с Гитлодеем, его приключения). Мор создал первую стройную социалистическую систему, хотя и разработанную в духе утопического социализма.
Томас Мор назвал свой труд «Золотая книжечка, столь же полезная, сколь и забавная о наилучшем устройстве государства и о новом острове Утопия».
«Утопия» делится на две части, мало похожих по содержанию, но логически неотделимых друг от друга.
Первая часть произведения Мора — литературно-политический памфлет; здесь наиболее сильный момент — критика современных ему общественно-политических порядков: он бичует «кровавое» законодательство о рабочих, выступает против смертной казни и страстно нападает на королевский деспотизм и политику войн, остро высмеивает тунеядство и разврат духовенства. Но особенно резко нападает Мор на огораживания общинных земель (enclosures), разорявшие крестьянство: «Овцы, — писал он, — поели людей». В первой части «Утопии» дана не только критика существующих порядков, но и программа реформ, напоминающая более ранние, умеренные проекты Мора; эта часть очевидно служила ширмой для второй, где он высказал в форме фантастической повести свои сокровенные мысли. Во второй части снова сказываются гуманистические тенденции Мора. Во главе государства Мор ставил «мудрого» монарха, допуская для чёрных работ рабов; он много говорит о греческой философии, в частности о Платоне, сами герои «Утопии» — горячие приверженцы гуманизма. Но в описании социально-экономического строя своей вымышленной страны Мор даёт ключевые для понимания его позиции положения. Прежде всего в «Утопии» отменена частная собственность, уничтожена всякая эксплуатация. Взамен её устанавливается обобществлённое производство. Это большой шаг вперёд, так как у предыдущих социалистических писателей социализм носил потребительский характер. Труд является обязательным в «Утопии» для всех, причём земледелием занимаются поочерёдно все граждане до определённого возраста, сельское хозяйство ведётся артельно, но зато городское производство построено на семейно-ремесленном принципе — влияние недостаточно развитых экономических отношений в эпоху Мора. В «Утопии» господствует ручной труд, хотя он и продолжается только 6 часов в день и не изнурителен. Мор ничего не говорит о развитии техники. В связи с характером производства обмен в государстве Мора отсутствует, нет также и денег, они существуют только для торговых сношений с другими странами, причём торговля является государственной монополией. Распределение продуктов в «Утопии» ведётся по потребностям, без каких-либо твёрдых ограничений. Государственный строй утопийцев несмотря на наличие короля — полная демократия: все должности — выборные и могут быть заняты всеми, но, как и подобает гуманисту, Мор предоставляет интеллигенции руководящую роль. Женщины пользуются полным равноправием. Школа чужда схоластике, она построена на соединении теории и производственной практики.
Ко всем религиям в «Утопии» отношение терпимое, и запрещён только атеизм, за приверженность которому лишали права гражданства. В отношении к религии Мор занимает промежуточное положение между людьми религиозного и рационалистического миросозерцания, но в вопросах общества и государства он — чистый рационалист. Признавая, что существующее общество неразумно, Мор вместе с тем заявляет, что оно — заговор богатых против всех членов общества. Социализм Мора вполне отражает окружающую его обстановку, чаяния угнетённых масс города и деревни. В истории социалистических идей его система широко ставит вопрос об организации общественного производства, притом в общегосударственном масштабе. Новым этапом в развитии социализма она является ещё и потому, что в ней осознано значение государственной организации для построения социализма, но Мор не мог в своё время видеть перспективу бесклассового общества (в «Утопии» Мора рабство не отменено), осуществляющего великий принцип «от каждого по способностям, каждому по потребностям» без всякого участия государственной власти, ставшей излишней.

[править]

Политические взгляды

Основная причина всех пороков и бедствий — это частная собственность и обусловленные ею противоречия интересов личности и общества, богатых и бедных, роскоши и нищеты. Частная собственность и деньги порождают преступления, которые нельзя остановить никакими законами и санкциями.

Утопия (идеальная страна) — своеобразная федерация из 54 городов.

Устройство и управление каждого из городов одинаковы. В городе 6000 семей; в семье — от 10 до 16 взрослых. Каждая семья занимается определенным ремеслом (разрешен переход из одной семьи в другую). Для работы в прилегающей к городу сельской местности образуются «деревенские семьи» (от 40 взрослых), в которых житель города обязан проработать не менее двух лет

Должностные лица в Утопии выборные. Каждые 30 семей избирают на год филарха (сифогранта); во главе 10 филархов стоит протофиларх (транибор). Протофилархи избираются из числа ученых. Они образуют городской сенат, возглавляемый князем. Князь (адем) избирается филархами города из кандидатов, предложенных народом. Должность князя несменяема, если он не заподозрен в стремлении к тирании. Наиболее важные дела города решают народные собрания; они же избирают большую часть должностных лиц и заслушивают их отчеты.

В Утопии нет частной собственности и, следовательно, споры между утопийцами редки и преступления немногочисленны; поэтому утопийцы не нуждаются в обширном и сложном законодательстве.

Утопийцы сильно гнушаются войною, как деянием поистине зверским. Не желая, однако, обнаружить, в случае необходимости, свою неспособность к ней, они постоянно упражняются в военных науках. Обычно для войны используются наёмники.

Утопийцы признают вполне справедливой причиной для войны тот случай, когда какой либо народ, владея попусту и понапрасну такой территорией, которой не пользуется сам, отказывает все же в пользовании и обладании ею другим, которые по закону природы должны питаться от неё.
Город солнца кампанеллы.
Идеи социального равенства
В тюрьме Кампанелла, безусловно, размышлял о неравенстве и о наилучшем государственном устройстве. Люди нового времени, по сути, оставались рабами. Рабами своих королей, своих работодателей. Ни о каком равенстве в правах речи и не шло. «Город Солнца» - идеальное, с точки зрения автора, общество, где трудятся все и нет «праздных негодяев и тунеядцев». Эта мысль была особенно актуальна для угнетённого народа. Кампанелла пришёл к выводу: существующий государственный строй несправедлив. Чтобы люди жили лучше, его должен сменить другой, более совершенный строй, где все люди будут равны между собой. Подробности этой идеи Томазо тщательно прорабатывает и описывает.

В «Городе Солнца» автор доводит идеи социального равенства до крайностей. Городом правит духовная (учёная) аристократия. При этом каждый гражданин занимается и сельским хозяйством, и военным делом.

Они все принимают участие в военном деле, земледелии и скотоводстве: знать это полагается каждому, так как знания эти считаются у них почётными.

...

Так как должность каждого определяется с детства сообразно с расположением и сочетанием звезд, наблюдавшихся при его рождении, то благодаря этому все, работая каждый в соответствии со своими природными склонностями, исполняют свои обязанности как следует и с удовольствием, так как для всякого они естественны. Это одинаково относится как к военному делу, так и ко всякого рода другим занятиям
.Однако если у человека нет зрения, он может чесать шерсть, щипать перья для подушек; хромой может стоять на страже; у глухого есть зрение и т.д. В крайнем случае калека может быть послан в деревню, где ему точно найдётся какая-то работа, соответствующая его здоровью.

Но Кампанелла совершенно не учитывает личные предпочтения людей. Жители города Солнца становятся марионетками, винтиками системы, лишёнными права на выбор.

Производство и потребление в городе Солнца носит общественный характер. Четырехчасового труда оказывается достаточно, чтобы удовлетворить все потребности общества. Подобная идея есть и у Мора, где утопийцам запрещается работать больше 6 часов. Почему бы людям не позволить работать сверх нормы? Тогда будет нарушен принцип всеобщего равенства.

Кампанелла пишет: «Распределение всего находится в руках должностных лиц; но так как знания, почести и наслаждения являются общим достоянием, то никто не может ничего себе присвоить».
Власть

Как и в «Государстве» Платона, в городе Солнца господствует духовная аристократия. Однако у Кампанеллы это не замкнутая каста «с особым распорядком жизни и особым воспитанием». Во главе государства у Кампанеллы стоит не просто философ, как у Платона, но и первосвященник в одном лице. Кампанелла сам был священником, поэтому религия в «Городе Солнца» занимает достойное место.

Судьи и низшие должностные лица в городе Солнца — учителя и священники — интеллигенция. Кампанелла сам принадлежал к классу интеллигенции, за которым и закрепил власть в городе Солнца. Интеллигенция того времени была сравнительно образована, и кто, как не она, могла разобраться во всех вопросах управления обществом. Политический строй города Солнца можно охарактеризовать как своеобразную интеллектуальную олигархию при формальной демократии. Таким образом, власть в городе Солнца более отдалена от народа, чем в «Утопии» Мора.
Пути изменения общества

Основная причина зла, по мнению Кампанеллы, — в людских пороках, прежде всего в эгоизме, порождающем у одних желание жить за счёт других. «Но когда мы отрешимся от себялюбия, у нас останется только любовь к общине». Достичь этого Кампанелла хочет с помощью государства, которое карает и пресекает неправильное поведение.

Другие причины народного несчастья, по Кампанелле, это невежество и непонимание необходимости перехода к новому, более совершенному общественному порядку. Поэтому особое внимание уделено народному образованию и воспитанию. С момента рождения дети начинают обучаться и воспитываться в обществе. Основной метод для этого — обучение по картинам, которыми исписаны стены домов города. С 10 лет начинается обучение детей на практике, не по картинкам. При этом дети проходят, и тут Кампанелла повторяет идеи Мора, наряду с общими предметами, ремесленное дело и сельское хозяйство.

В оставшееся от 4 часов работы время, предполагалось, что люди будут развиваться душой и телом. Либо изучать науки, либо заниматься физическими упражнениями.
Значение книги
И у Мора, и у Кампанеллы идеалом представляются тоталитарные общества, где жизнь граждан согласуется с интересами общества и человек сам не решает, что ему делать.

Город Солнца Кампанеллы предлагает альтернативу существовавшему в то время обществу. В процессе повествования автор рассматривает нормы поведения, морали, государственности в «идеальном» обществе, но по сути не меняя существующего общественного строя. Именно поэтому для связи с Богом жителям в городе Солнца необходимы жрецы.

Особого интереса заслуживает предложенная реформа системы образования, способствующая формированию всесторонне развитого, полноценного человека. Так же даются предпосылки к созданию общего универсального языка, способного связать вместе все науки и искусства.

19. Реформация. (предпосылки, итоги.
Предпосылки.

На протяжении всего Средневековья церковь играла значительную роль в жизни общества, идеально вписываясь в господствующий на Западе феодальный строй. Церковная иерархия была полным отражением иерархии светской: подобно тому, как в светском феодальном обществе выстроились разные категории сеньоров и вассалов — от короля (верховного сеньора) до рыцаря, так и члены клира градуировались по феодальным степеням от папы (верховного первосвященника) до приходского кюре. Являясь крупным феодалом, церковь в разных государствах Западной Европы владела до 1/3 количества всей обрабатываемой земли, на которой использовала труд крепостных, применяя те же методы и приёмы, что и светские феодалы[2]. Узурпируя таким образом готовые формы феодального общества, получая от них бесчисленные плоды, как организация церковь одновременно формировала идеологию феодального общества, ставя своей задачей обоснование закономерности, справедливости и богоугодности этого общества. Монархи Европы в свою очередь шли на любые затраты, дабы получить от клириков высшую санкцию на своё господство.
Феодальная католическая церковь, бывшая идейной санкцией средневекового общества, могла существовать и процветать до тех пор, пока господствовала её материальная основа — феодальный строй. Но уже в XIV—XV веках сначала в Средней Италии и Фландрии, а с конца XV века и повсюду в Европе началось формирование нового класса, постепенно захватывавшего в свои руки экономику, а затем устремившегося и к политической гегемонии, — класса буржуазии[2]. Новому классу, претендующему на господство, нужна была и новая идеология. Собственно, она не была такой уж и новой: буржуазия не собиралась отказываться от христианства, но ей было нужно вовсе не то христианство, которое обслуживало старый мир; новая религия должна была отличаться от католицизма в первую очередь простотой и дешевизной: меркантильной буржуазии деньги были нужны не для того, чтобы бросать их на ветер, строя величавые соборы и проводя пышные церковные службы, а для того, чтобы, вкладывая их в производство, создавать и приумножать свои разрастающиеся предприятия. И в соответствии с этим становилась не только ненужной, но и просто вредной вся дорогостоящая организация церкви с её папой, кардиналами, епископами, монастырями и церковным землевладением. В тех государствах, где сложилась сильная королевская власть, идущая навстречу национальной буржуазии (например, в Англии или Франции), католическая церковь особыми декретами была ограничена в своих претензиях и этим на время спасена от гибели. В Германии, к примеру, где центральная власть была призрачной и папская курия получила возможность хозяйничать, как в своей вотчине, католическая церковь с её бесконечными поборами и вымогательствами вызывала всеобщую ненависть, а непристойное поведение первосвященников многократно эту ненависть усиливало[2].
Помимо экономического и национального гнёта предпосылкой Реформации послужили гуманизм и изменившаяся интеллектуальная среда в Европе. Критический дух эпохи Возрождения позволил по-новому взглянуть на все явления культуры, в том числе и на религию. Упор Возрождения на индивидуальность и личную ответственность помог критически пересмотреть церковную структуру, а мода на древние рукописи и первоисточники обратила внимание людей на несоответствие первохристианства и современной церкви. Люди с пробуждённым рассудком и мирским мировоззрением становились критически настроенными к религиозной жизни их времени в лице католической церкви.
Итоги.
Вестфальский мир 1648 окончательно закрепил те изменения, которые произошли на карте Европы в результате Реформации, в том числе и существование новых государств. Больше значимых религиозных войн в континентальной Европе не велось. В итоге сторонники лютеранства составляли большинство населения в Северной Германии, Дании, Скандинавии, Прибалтике. Реформаты же преобладали в Шотландии и Нидерландах, а также нескольких кантонах Швейцарии, хотя последователи этого вероучения были и в Венгрии, Центральной Германии и Франции. В Англии утвердилась Англиканская Церковь.
Представители небольших протестантских конфессий сохранились практически по всей Северной и Центральной Европе, однако часто они подвергались преследованиям как со стороны католических, так и со стороны протестантских государственных структур. В дальнейшем многие из них выехали в Америку или эмигрировали в Россию.
Итоги реформационного движения невозможно охарактеризовать однозначно. С одной стороны христианского мира, который объединял все народы Европы под духовным руководством папы римского, больше не существовало, равно как и не существовало единой христианской культуры. Единая церковь была заменена множеством национальных церквей, которые часто находились в зависимости от светских правителей, тогда как раньше клирики могли апеллировать к папе в качестве арбитра. С другой стороны, национальные церкви способствовали росту национального сознания народов Европы. При этом существенно повысился культурный и образовательный уровень жителей Северной Европы, которая до этого была как бы окраиной Христианского Мира — необходимость изучения Библии приводила к росту как начальных учебных заведений (в основном в форме приходских школ), так и высших, что выразилось в создании университетов для подготовки кадров национальных церквей. Для некоторых языков специально была разработана письменность, чтобы иметь возможность издавать на них Библию.
Провозглашение духовного равенства стимулировало развитие представлений о равенстве политическом. Так, в странах, где большинство составляли реформаты, мирянам представлялись большие возможности в управлении церковью, а гражданам — в управлении государством.[39]
В экономическом плане Реформация способствовала смене старых феодальных экономических отношений на новые капиталистические. Стремление к экономии, к развитию промышленности, к отказу от дорогостоящих развлечений (равно как и дорогостоящих богослужений) способствовало накоплению капитала, который вкладывался в торговлю и производство. В итоге протестантские государства начали опережать в экономическом развитии католические. Даже самая этика протестантов способствовала развитию экономики [40]
21. Творчество Босха.

Искусство Босха всегда обладало громадной притягательной силой. Прежде считалось, что «чертовщина» на картинах Босха призвана всего лишь забавлять зрителей, щекотать им нервы, подобно тем гротескным фигурам, которые мастера итальянского Возрождения вплетали в свои орнаменты. Современные учёные пришли к выводу, что в творчестве Босха заключён куда более глубокий смысл, и предприняли множество попыток объяснить его значение, найти его истоки, дать ему толкование. Одни считают Босха кем-то вроде сюрреалиста XV века, извлекавшего свои невиданные образы из глубин подсознания, и, называя его имя, неизменно вспоминают Сальвадора Дали. Другие полагают, что искусство Босха отражает средневековые «эзотерические дисциплины» — алхимию, астрологию, чёрную магию. Третьи стараются связать художника с различными религиозными ересями, существовавшими в ту эпоху.[2] По мнению Френгера, Босх был членом Братства Свободного Духа, называемых также адамитами, — еретической секты, возникшей в XIII веке, но бурно развившейся по всей Европе несколькими столетиями позже.
Его техника называется "а ля прима". Это метод масляной живописи, при котором первые мазки создают окончательную фактуру.
На основании результатов современных исследований творчества Босха искусствоведы относят к сохранившемуся наследию Иеронима Босха 25 картин и 8 рисунков.[3] Картины — это триптихи, фрагменты триптихов и отдельные, самостоятельные картины. Лишь 7 творений Босха подписаны. История не сохранила оригинальных названий картин, которые дал своим творениям Босх. Известные нам названия закрепились за картинами по каталогам.
Исследователи до сих пор не могут уверенно говорить о творческой эволюции и хронологии произведений Босха, так как ни на одном из них нет даты, а формальное развитие творческого метода не представляет собой поступательного движения, и подчинено собственной логике, предполагающей приливы и отливы.

Для современников Босха его картины имели гораздо больший смысл, чем для современного зрителя. Необходимые пояснения к сюжетам средневековый человек получал из разнообразных символов, которыми изобилуют картины Босха. Значение многих символов уже безвозвратно утеряно, символы меняли значение в зависимости от контекста, они по-разному трактовались в разных источниках — от мистических трактатов до практической магии, от фольклора до ритуальных представлений. За прошедшие пять веков многозначность символики Босха позволяла исследователям его творчества и почитателям отнести художника к самым разным религиозным и философским направлениям.
Значительное количество символов Босха являются алхимическими. Алхимия в позднем средневековье была своеобразным явлением культуры, явно граничившим с ересью, фантастическим вариантом химии. Её адепты стремились к превращению («трансмутации») неблагородных металлов в золото и серебро с помощью воображаемого вещества — «философского камня». Босх придаёт алхимии негативные, демонические черты. Алхимические стадии превращения зашифрованы в цветовых переходах; зубчатые башни, полые внутри деревья, пожары, являясь символами Ада, одновременно намекают на огонь в опытах алхимиков; герметичный же сосуд или плавильный горн — это ещё и эмблемы чёрной магии и дьявола.


Босх использует и общепринятую в средневековье символику бестиария — «нечистых» животных: на его картинах встречаются верблюд, заяц, свинья, лошадь, аист и множество других. Жаба, в алхимии обозначающая серу, — это символ дьявола и смерти, как и всё сухое — деревья, скелеты животных.
Другие часто встречающиеся символы:

лестница — путь к познанию в алхимии или символизирующая половой акт;

перевёрнутая воронка — атрибут мошенничества или ложной мудрости;

ключ — (познание или половой орган), часто по форме не предназначенный для открывания;

отрезанная нога, традиционно ассоциирующаяся с увечьями или пытками, а у Босха связанная ещё и с ересью и магией;

стрела — символизирует таким образом «Зло». Иногда торчит она поперек шляпы, иногда пронзает тела, порой даже воткнута в анус полуголой персоны (что также означает намек на «Испорченность»);

сова — в христианских картинах может быть интерпретирована не в антично-мифологическом смысле (как символ мудрости). Босх изображал сову на многих своих картинах, он вносил её иногда в контекстах к персонам, которые себя коварно вели, либо предавались смертному греху. Поэтому принято считать, что сова служит злу как ночная птица и хищник и символизирует глупость, духовную слепоту и безжалостность всего земного.

черные птицы — грех

22. Творчество Дюрера.

«Автопортрет»
В творчестве Дюрера создан величавый и мужественный, подлинно гуманистический образ человека сложной эпохи. «Автопортрет» (1500. Старая пинакотека. Мюнхен) занимает особое место не только в немецком, но и во всём европейском искусстве, отразив глубину и противоречивость творческого сознания, стоявшего на грани двух эпох. Изобразив себя в строго фронтальной позе, Дюрер использовал композиционную схему, которую средневековые художники применяли для образа Христа. Для него это имело особый смысл: человек, по мысли автора, должен напоминать Спасителя не только внешним обликом, но и в переносном, высшем смысле — готовностью брать на себя и нести «крест», возлагаемый на него в земной жизни. Не горделивая спесь, но глубоко религиозное сознание проступает в этом «уравнивании» себя с Христом: свой несравненный художнический дар Дюрер (почти достигший порога тридцатилетия) воспринимает как милость Бога и свою ответную обязанность перед Творцом, наделившим его высочайшей способностью «творить мир» заново — кистью и резцом. В этом автопортрете художник попытался связать старую систему пропорций с новым ренессансным учением о пропорциях человеческого тела. Стремясь к преодолению условности старого искусства, Дюрер первым из немецких художников овладел передовыми художественными достижениями ренессансной Италии. Подобно Леонардо, он воплотил в себе характерный для Ренессанса тип художника-учёного, соединив рациональное, научное познание реального мира с его глубоким философским осмыслением и преображающей, динамичной, страстной фантазией художника.
Гравюры
Дюрер был первым немецким художником, кто стал работать одновременно в обоих видах гравюры — на дереве и на меди. Необычайной выразительности он достиг в гравюре на дереве, реформировав традиционную манеру работы и использовав приёмы работы, сложившиеся в гравюре на металле. В конце 90-х гг. Дюрер создал ряд превосходных ксилографий, в том числе один из своих шедевров — серию гравюр на дереве «Апокалипсис» (1498), являющихся удачным сочетанием позднеготического художественного языка и стилистики итальянского Возрождения. В 1513—1514 гг. Дюрер создал три графических листа, вошедших в историю искусства под названием «Мастерские гравюры»: «Рыцарь, смерть и дьявол», «Святой Иероним в келье» и «Меланхолия». Шедевром резцовой гравюры на металле в исполнении Дюрера считается гравюра «Адам и Ева» (1504).
23. Возрождение в Англии.

Культура Возрождения с её идейной основой — философией и эстетикой гуманизма — возникает прежде всего на итальянской почве. Неудивительно, что влияние Италии можно заметить у всех английских писателей эпохи Возрождения. Но гораздо заметнее, чем влияние итальянского образца, самобытный характер английской культуры этого времени. Трагическая судьба свободного крестьянства в эпоху первоначального накопления, быстрая ломка средневековых порядков под натиском силы денег, развитие национального государства с его протигоречиями — всё это придаёт общественным вопросам в Англии особую остроту. Широкий народный фон английского Возрождения — его основное достоинство, источник таких достижений XVI столетия, как «Утопия» Томаса Мора и театр Шекспира.


Англииский гуманизм
Раннее английское Возрождение относится к XIVв.; наиболее выдающимися представителями его были Джеффри Чосер и Уильям Ленгленд.


Феодальные междоусобицы XV в. надолго задержали развитие английского гуманизма. В литературной жизни периода войны Алой и Белой розы преобладают богословские сочинения и эпигонские рыцарские романы. Сртвнительно высокого уровня достигает лишь устная народная поэзия. В начале XVI столетия снова оживает гуманистическая литература.


Рассадником новых гуманистических идей явился Оксфордский университет. Правда, эти идеи нередко имели богословскую оболочку; в этом отношении Англия походила на Германию. Характерно, что Эразм Роттердамский, признанный авторитет немецких гуманистов, находит в Оксфордском университете благодарную аудиторию и верных друзей.


Английские гуманисты Гросин (1446—1519), Линекр (1460—1524) и Джон Колет (1467—1519), ездившие в Италию, увлекаются там преимущественно филологическими изысканиями, не проявляя интереса к натурфилософским и эстетическим проблемам. Свою филологическую учёность они используют чаще всего для изучения вопросов религии и морали. Так, Джон Колет читает лекции о посланиях апостола Павла. Однако подлинное значение деятельности Колета заключается в том, что он был горячим защитником гуманистической системы воспитания, высказывался против телесных наказаний в школе, боролся против схоластики. Благодаря Колету возникли в Англии светские, так называемые грамматические, школы. Но главной фигурой среди оксфордских гуманистов был Томас Мор.

Что касается живописи, то в XV—XVI вв. в Англию приезжает много фламандских и французских мастеров. При дворе Генриха VIII работал гениальный немецкий живописец Ганс Гольбейн Младший, последователями которого были англичане Смит, Броун, Боссэм, миниатюристы братья Оливер и Хиллард. Жанры изобразительного искусства в Англии ограничены почти исключительно портретом. Здесь нет национальной школы живописи, которую можно было бы поставить рядом с итальянским или немецким искусством эпохи Возрождения. Велики были достижения в английской музыке: отличавшаяся интимностью выражения и тонким изяществом, она прославилась своими камерными мадригалами и церковными хорами.
24. Шекспир.
Так постепенно сложились условия, сделавшие возможным появление величайшего английского писателя XVI в. Вильяма Шекспира (1564—1616). Биографические сведения о Шекспире необычайно скудны. Известно, что он родился в Стратфорде (на р. Эйвоне) в семье горожанина и учился в «грамматической школе». В 1585 г. Шекспир пришёл в Лондон искать удачи. Он был актёром в труппе лорда-адмирала, затем в труппе лорда-камергера — актёром и пайщиком. Подновляя пьесы других авторов, Шекспир вскоре начал создавать собственные инсценировки новелл и хроник для театра «Глобус». Деятельность Шекспира-драматурга длилась с 1590 по 1612 г.


Шекспир был сыном народа, похожим на тех безымённых мастеров, которые создавали соборы и ратуши в средние века. В его 154 сонетах редко проглядывают детали личной жизни, а в 37 пьесах ни один персонаж не берёт на себя роль непосредственного рупора его мыслей и настроений. Все они говорят так, как должны были говорить в подобных обстоятельствах люди их положения и характера. Точку зрения автора зритель может выяснить только из самого развития пьесы. Все используемые Шекспиром драматургические жанры и приёмы свидетельствуют о его верности традициям английского народного театра и достижениям своих предшественников драматургов: в инсценировке летописи он — преемник Грина и Марло, в проблемно-героической трагедии — Кида и Марло, в брызжущей весельем комедии — Грина, Лоджа и Хейвуда. Шекспир не относится с пренебрежением и к приёмам балаганных интерлюдий с их шутами, нарушающими все правила приличия и вкуса. Он лишь незаметно вносит художественную меру в обычные приёмы английской сцены и наполняет своё произведение глубокими философско-этическими проблемами, наиболее важными для его эпохи.


Шекспир сохраняет и такие черты, присущие народной поэзии, как пренебрежение к внешнему правдоподобию, грандиозность художественных образов, сочетание трагики с комизмом. Чтобы затронуть проблемы современности, он обращается к знакомой исторической легенде, к давно известному сюжету новеллы. Он не изобретает фабул, не строит замысловатых интриг, которыми изобилует, например, испанский театр этого времени или более поздняя английская драма. Зритель «Глобуса», как это было и в древнегреческом театре, заранее знает персонажей, ход действия и развязку шекспировских пьес; интерес драматурга направлен к освещению темы, обобщению идей, динамике индивидуализированных и подлинно жизненных характеров.


В исторических драмах («Генрих VI», «Ричард III», «Ричард II», «Король Джон», «Генрих IV», «Генрих V») Шекспир стремится запечатлеть не только события прошлого, но и отношение к ним, оценку их со стороны широких масс английского народа. С огромной силой фантазии и удивительной проницательностью, которую нельзя обнаружить у Холла и Голиншеда (их историческими хрониками пользовался Шекспир), он создаёт грандиозную картину развития средневековой Англии, начиная с короля Джона (Иоанна) Безземельного до первого Тюдора — Генриха VII. Драму Шекспира отличает образное воплощение «исторической атмосферы», глубокий анализ политической борьбы. Влияние народа на ход событий или его отношение к этим событиям всегда выступают в пьесах Шекспира с достаточной ясностью.


Правда, Шекспир не жалует мятежную толпу, рвущую ленные грамоты, убивающую знать и грамотеев-чиновников. Он не сомневается в привилегиях дворянства и предпочитает монархию республике. Но, несмотря на свои монархические иллюзии, Шекспир остаётся глубоким реалистом. Если в его драматических произведениях на первом плане представители высших классов, то за ними всегда чувствуется широкий социальный фон, заполненный разнородными элементами, от опустившихся рыцарей до крестьян, от «гордого шекспировского йомена», по выражению Маркса, до мастеровых, слуг и солдат. Дух подобострастия к монархам и аристократии отсутствует у Шекспира. Он не щадит ни титула, ни высокого ранга своих героев. Рисуя подъём национального государства, он сталкивает власть имущих с исторической необходи мостыо, прокладывающей себе дорогу через борьбу интересов, ошибки и преступления отдельных лиц.


«Хроники» Шекспира отражают историю английского народа. В плане исторической драмы некоторым дополнением к национальным «Хроникам» является группа пьес из истории древнего Рима («Юлий Цезарь», «Кориолан», «Антоний и Клеопатра»), которые по своему характеру примыкают к трагедиям второго периода творчества Шекспира (1601—1608). Если в «Хрониках» показаны феодальные распри и борьба баронов против королей — вчерашний день английской истории, то в римских трагедиях раскрывается антагонизм плебеев и аристократии, столкновение республиканских и монархических тенденций, т. е. трактуются живые проблемы XVI в. Улавливая отдалённое сходство между современной ему Англией и древним Римом, Шекспир отнюдь не стремится модернизировать прошлое. Напротив, он сохраняет чёткий контур римской жизни. В характеристике государственных и военных деятелей, патрициев и плебеев Шекспир во многом объективнее самого Плутарха, у которого он черпает свои сюжеты. Даже наличие таких наивных анахронизмов, как башенные часы, пушки, костюмы лондонских подмастерьев в отдельных сценах, ни в какой степени не лишают пьесы Шекспира чисто римского колорита. Вот почему они совсем не похожи на условные драмы с античными сюжетами Бена Джонсона, Чапмена и др. и ещё менее — на римские трагедии Корнеля, Расина и Вольтера. Поэтический историзм Шекспира был по достоинству оценён и понят только в XVIII—XIX вв.


Отбросив средневековую мистическую точку зрения на ход истории, Шекспир не склоняется к преувеличенной оценке личности, столь характерной для исторической литературы эпохи Возрождения Приоритет права и мудрости народа перед умом, волей, судьбой отдельного человека, как бы ни было велико его значение в обществе, составляет основу любой шекспировской драмы.


В произведениях великого английского поэта нашёл разностороннее выражение его гуманистический идеал. В ранней трагедии «Ромео и Джульетта», в комедиях «Много шума из ничего», «Сон в летнюю ночь», «Венецианский купец» доминирует чувство уверенности в близкой победе человека над тёмными силами. Позднее, в драмах начала XVII в , резко углубляется атмосфера трагизма — отражение растущих противоречий общественной действительности.


В своих величайших трагедиях («Гамлет», «Отелло», «Король Лир», «Тимон Афинский») Шекспир обнажает глубокую пропасть между надеждами людей Возрождения и действительностью. Разлагающая сила денег, падение нравственного уровня личности под влиянием свободной игры частных интересов — одна из главных тем Шекспира. Борьбу феодального миропорядка с новым миром денежных отношений он рисует как непримиримый конфликт, где на стороне нового материальные, но далеко не всегда моральные преимущества. Сознавая эту историческую коллизию, Шекспир не ищет компромисса, подобно многим гуманистам и придворным поэтам XVI в. Только в Англии, где наиболее бурно происходил процесс разложения феодальных отношений, могла появиться шекспировская трагедия, построенная на подлинно народной основе.


В конце эпохи Возрождения надежды гуманистов подверглись серьезному испытанию. Цивилизация, вышедшая из недр средневекового общества, оказалась чреватой глубокими внутренними конфликтами. Великий сердцевед и психолог Шекспир нашел ключ к душевному миру человека, стоящего на грани двух эпох — средневековья и капитализма. Он показал, как благороднейшие натуры становятся жертвой грубых, жестоких сил, рожденных противоречивым развитием общества. И все же, с точки зрения Шекспира, это развитие, при всех его враждебных человеку формах, необходимо и оправдано. Истории Лира, Гамлета, Отелло, несмотря на их печальный конец, укрепляют веру в конечное торжество человека.

Учебный материал
© bib.convdocs.org
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации